Syarahan apa yang patut ditonton untuk mula memahami seni kontemporari, tetapi kami menasihati anda untuk tidak berhenti di situ. Pilihan baharu kami akan membantu anda menavigasi subjek yang lebih besar - seni klasik. Memandangkan mustahil untuk merangkumi topik yang begitu luas secara menyeluruh dalam beberapa kuliah sahaja, kami telah memilih bahan yang akan memberitahu anda di mana untuk bermula dan ke arah mana anda boleh bergerak apabila mempelajari sejarah seni sebelum abad ke-20, dan juga akan mengajar anda untuk melihat seni klasik dalam konteks yang luas dan melihat perkara menarik di dalamnya selari dengan zaman moden.
Pergerakan utama seni klasik
Adalah lebih baik untuk mula mengkaji sejarah seni dengan pergerakan utama dan periodisasi umum. Garis masa yang disediakan oleh Kolej Seni dan Reka Bentuk Californian Otis akan membantu anda memahami kronologi dengan cepat. Dua puluh tujuh video pendek merangkumi sejarah seni dari lukisan gua hingga akhir abad ke-18. Berpisah senarai main di saluran YouTube kolej didedikasikan untuk pergerakan artistik abad ke-19: realisme, impresionisme dan pasca impresionisme. Perlu diingat bahawa periodisasi klasik seperti itu menggambarkan perkembangan seni Barat secara khusus dan praktikal tidak menyentuh proses yang berlaku pada masa itu dalam budaya wilayah lain di dunia, itulah sebabnya ia sering dikritik. hari ini.
Laman web Khan Academy akan membantu melengkapkan gambaran keseluruhan. Di sini, dalam satu set teks pendek yang digabungkan dalam bahagian Sejarah Seni, kursus pengetahuan asas ditawarkan pada semua peristiwa penting dalam sejarah seni dunia.
Koleksi Muzium Seni Metropolitan
Jika anda memutuskan untuk mendalami kajian tempoh tertentu atau topik tertentu dengan lebih terperinci, kami mengesyorkan agar anda memberi perhatian kepada tapak web Muzium Seni Metropolitan New York. Di sini, maklumat tersedia secara umum tentang koleksi besar seni halus dan gunaan muzium, yang merangkumi lima milenium budaya seni. Adakah anda ingin mendengar satu setengah jam cerita tentang seni ukiran di Perancis pada abad ke-18? Maka ini pasti tempat untuk anda.
Kuliah dari muzium terkenal
Setelah memperoleh idea umum tentang trend utama dalam seni, adalah wajar mengkaji wakil utama dan karya dengan lebih terperinci. Pertama sekali, adalah wajar untuk menyelidik koleksi muzium seni halus yang besar: mereka biasanya mempunyai saluran YouTube mereka sendiri di mana anda boleh mencari video dengan maklumat tentang karya utama daripada koleksi mereka. Sebagai contoh, pemilihan Galeri Tretyakov menawarkan syarahan mengenai "Penampilan Kristus kepada Rakyat" oleh Alexander Ivanov, "Potret M. I. Lopukhina" oleh Vladimir Borovikovsky, "The Unknown" oleh Ivan Kramskoy dan dua belas karya penting lain dari koleksi itu.
Muzium Seni Halus Negeri Pushkin melancarkan projek khas bersama Arzamas yang didedikasikan untuk koleksinya. Di sini anda boleh mengundi karya dari bilik stor muzium yang harus disertakan dalam pameran utama, dan membuka sepuluh karya seni abad ke-19–20 sekeping demi sekeping. dan kaji secara terperinci empat karya agung koleksi itu, menyusunnya dalam bentuk teka-teki.
Galeri Nasional British bercakap tentang koleksinya dalam format yang sangat mesra. Setiap bulan, pekerjanya menganjurkan apa yang dipanggil Lunchtime Talks, di mana kurator, bersama-sama dengan penonton, memilih karya paling menarik di muzium dan membincangkannya secara terperinci. Rakaman video kuliah boleh didapati di saluran Galeri Nasional di YouTube.
Karya dan seni Vivienne Westwood
Satu lagi cara yang menyeronokkan untuk meneroka koleksi muzium ialah melakukannya dengan selebriti berkarisma. Sebagai contoh, dalam video pendek ini, pereka Vivienne Westwood bercakap tentang Koleksi Wallace London dan pengaruhnya terhadap koleksinya sendiri. Muzium ini menempatkan lukisan oleh François Boucher dan Jean Honoré Fragonard, artis utama Rococo, pergerakan artistik yang menggoda dan hiasan pada awal abad ke-18, serta koleksi besar porselin Sèvres.
Karya Kegemaran Jerry Saltz
Anda boleh melakukan lawatan singkat tetapi tidak dapat dilupakan ke muzium New York bersama pengkritik seni Jerry Saltz. Bintang pemberontak dan New York Magazine, yang halaman Facebooknya disekat selama hampir setahun kerana menerbitkan ilustrasi dan ukiran zaman pertengahan yang eksplisit, berkongsi dengan penonton karya kegemarannya dari zaman yang berbeza, dari Quattrocento Itali hingga Impresionis.
Pandangan segar pada seni klasik
Perbualan antara seni pop klasik Amerika Ed Rusha dan pengarah Muzium New York The Frick sebagai sebahagian daripada projek Frieze Masters Talks ialah contoh yang tidak dapat dilupakan tentang bagaimana pandangan subjektif terhadap seni klasik boleh memecahkan persepsi tradisionalnya. Artis memilih beberapa karya yang tidak jelas daripada koleksi muzium (yang termasuk karya agung oleh tuan seperti Rembrandt, Vermeer, Goya dan Whistler) dan memberitahu penonton dan rakan bicaranya apa yang dilihatnya di dalamnya. Setelah mengetahui bahawa dalam lukisan Giovanni Bellini Rusche pertama sekali melihat pepenjuru geometri, yang telah disebutkan di atas Jerry Saltz dinyatakan bahawa hidupnya tidak akan pernah sama.
Seni dalam konteks sejarah
Untuk memahami seni, penting bukan sahaja untuk mengetahui fakta tentang sejarah penciptaannya dan teknik pelaksanaannya, tetapi juga mempunyai keupayaan untuk mentafsirkannya secara kritis. Banyak karya dikhaskan kepada cara kita melihat imej dan faktor sosial dan sejarah yang mempengaruhi pemahaman dan persepsi kita terhadap imej, malah yang klasik. Kursus "Sexing the Canvas: Art and Gender" di tapak web Coursera mengajar pelajar kemahiran ini dan menggalakkan mereka melakukannya di luar tafsiran kanonik. Matlamat pencipta kursus adalah untuk menarik perhatian penonton tentang bagaimana seni Eropah klasik secara tradisional mempersembahkan kewanitaan, seksualiti dan isu hubungan jantina dan bagaimana ini mempengaruhi perkembangan budaya dan masyarakat. Pendaftaran untuk kursus malangnya tidak tersedia sekarang - tetapi apabila ia dibuka, kami amat menasihati anda untuk tidak membuang masa.
Ilya Doronchenkov, dekan Fakulti Sejarah Seni Universiti Eropah di St. Petersburg, mencadangkan untuk memberi perhatian kepada satu lagi aspek penting dalam memahami seni - lokasinya dalam konteks sejarah. Kursusnya di Arzamas membicarakan tentang lapan karya agung oleh seniman abad ke-19 dan bagaimana ia mencerminkan perubahan sosial dan budaya yang berlaku dalam masyarakat pada masa itu.
Seni adalah abadi
Memahami bahawa seni klasik tidak menamatkan hayatnya apabila ia berpindah ke muzium, tetapi terus bergema pada generasi berikutnya, dibantu dengan mengkajinya dalam perspektif masa. Kami menjemput anda untuk menonton episod program pendidikan saluran TV "Budaya" "Academia", di mana penyelidik terkemuka Muzium Pushkin dinamakan selepas itu. A. S. Pushkin Victoria Markova bercakap secara terperinci tentang "La Gioconda" oleh Leonardo da Vinci. Kuliah dua bahagian ini (siri kedua boleh didapati) menarik bukan sahaja kerana ia mengkaji secara terperinci sejarah penciptaan Mona Lisa, tetapi juga kerana ia menyentuh isu-isu mendesak yang lain: mengapa lukisan khusus ini menjadi begitu terkenal, bagaimana ia menembusi budaya popular dan bagaimana sebenarnya ia berakhir dalam banyak karya artis moden - dari Dadaists hingga Andy Warhol.
Persamaan temporal yang kurang jelas telah dilukis oleh kurator bersama pameran Pra-Raphaelite di Galeri Tate di London, Jason Rosenfeld. Beliau membandingkan pergerakan artistik dan puitis era Victoria ini dengan seni artis kontemporari British kumpulan YBA. Rosenfeld bercakap tentang apa yang boleh didapati secara umum di kalangan pergerakan artistik yang pada pandangan pertama kelihatan sangat berbeza. kuliah di Muzium Garaj.
ada jawapan kepada semua soalan ini. Berikut adalah asas tempat untuk memulakan lukisan. Ikuti petua ini, lakukan latihan dan anda tidak akan takut lagi dengan batu tulis kosong. Anda akan menerima pengetahuan dan kemahiran asas yang diperlukan. Lukisan akan menjadi lebih dekat, lebih jelas dan akan membawa banyak keseronokan.
Bahagian 1. Persediaan
1. Cari subjek inspirasi untuk dilukis
Ia berlaku bahawa anda telah menyediakan segala-galanya, tetapi anda tidak dapat mencari objek yang akan memberi inspirasi kepada anda. Perkara ini perlu diuruskan terlebih dahulu. Sesuatu yang menarik mungkin terletak di dalam kabinet dan laci meja. Cari barangan di jualan harta pusaka, kedai konsainan dan kedai runcit. Belajar lukisan oleh artis kegemaran anda.
Pemilihan harus termasuk item yang menyenangkan untuk dilihat: ini penting untuk mencipta kerja yang berjaya.
Minat dalam warna dan bentuk akan memotivasikan anda semasa anda mengusahakan lukisan anda. Terdapat hubungan antara perasaan terhadap objek dan keupayaan untuk mendedahkan kebolehan anda. Anda boleh melakukan lebih daripada yang anda fikirkan.
Untuk gambar pertama, bekas simetri satu warna yang ringkas, seperti cawan kopi biasa, akan sesuai. Ilustrasi daripada buku
2. Kenali berus dan cat
Ambil berus bulat lembut dan berus bulu di tangan anda dan bandingkan bulu mereka. Picit sedikit cat akrilik dari tiub ke palet. Cuba sapukan cat tidak cair dengan berus yang berbeza pada kanvas atau kertas cat air. Pukulan hendaklah terang dan berani. Rasai perbezaan sapuan dengan berus yang berbeza. Tambah sedikit air dan sapukan sapuan lagi. Cat konsistensi sederhana mempunyai keamatan warna yang sama seperti cat tidak cair, tetapi teksturnya dilicinkan. Dan lakukan latihan ini sekali lagi dengan penyelesaian cat yang lemah. Perhatikan betapa cepatnya cat mengeringkan kali pertama, kedua dan ketiga.
Ilustrasi daripada buku
Cuba sapukan cat dengan berus yang berbeza - bujur lembut, nipis sintetik, rata berbulu. Cuba setiap berus sehingga anda yakin bahawa anda tahu berus yang hendak digunakan untuk mencapai reka bentuk yang anda fikirkan.
Ilustrasi daripada buku
3. Teknik berguna untuk bekerja dengan palet
Warna dalam lukisan yang kita lihat biasanya diperoleh melalui pencampuran: warna tulen dari tiub biasanya terlalu sengit. Teknik-teknik ini akan memudahkan anda mendapatkan warna yang anda inginkan.
- 1 Picit cat dari tiub ke tepi palet, tinggalkan ruang antara warna. Gunakan bahagian tengah palet untuk mencampurkan. Buat kumpulan lebih jauh untuk mengelakkan percampuran yang tidak diingini.
- Sapukan warna tulen pada berus dari tepi palet, dan bukan dari atas atau dari tengah "sosej" yang diperah.
- Warna gelap pekat seperti hitam (walaupun ia tidak dianggap sebagai warna secara saintifik) harus ditambah dengan berhati-hati walaupun sedikit boleh mengubah warna yang dicampur dengan ketara.
- Anda perlu mencampurkan warna bersama sehingga campuran menjadi homogen sepenuhnya.
- Jangan kedekut cat. Picit keluar seberapa banyak yang anda perlukan - biasanya ini adalah bulatan sebesar syiling ruble (untuk kapur - saiz syiling lima ruble). Penggunaan cat adalah bahagian penting dalam proses mengecat. Jika anda menyimpan terlalu banyak, anda tidak akan belajar cara menggunakan cat.
4. Belajar untuk mendapatkan warna neutral
Dalam mana-mana gambar terdapat warna neutral - "kelabu visual". Oleh kerana keamatannya yang rendah, mereka tidak dapat dilihat pada pandangan pertama, tetapi ia adalah alat yang paling berguna untuk mencipta komposisi warna yang harmoni. Mari lihat bagaimana untuk mencapai ini.
Campurkan biru dan oren dalam sebarang perkadaran. Sekarang mari cuba ubah suhu warna dengan warna hangat dan sejuk secara proporsional dalam campuran. Jika hasilnya lebih ungu, cuba buat warna berkarat dengan menambah lebih banyak cat oren dan kemudian kapur untuk warna pic yang lebih cerah. Jika langkah pertama menghasilkan warna berkarat, tambahkan biru untuk menghasilkan warna yang sejuk, hampir dengan ungu, dan kemudian putih untuk mencipta kelabu ungu muda.
Ulangi langkah sebelumnya untuk sepasang warna pelengkap yang lain - kuning dan ungu, merah dan hijau.
Pasangan warna pelengkap disambungkan dengan pukulan menegak pendek. Warna setiap pasangan dicampur antara satu sama lain untuk menghasilkan dua warna neutral, setiap satunya didominasi oleh salah satu warna induk - ini terletak di sebelah kanan induk yang sepadan. Ilustrasi daripada buku
5. Warna primer, sekunder dan tertier
Lukis bulatan, kemudian bahagikannya kepada tiga sektor yang sama. Cat sektor atas dengan medium kuning kadmium, bahagian kanan bawah dengan biru ultramarin, dan kemudian campurkan warna merah utama daripada lembayung naftol dan lampu merah kadmium dan cat sektor kiri bawah dengannya.
Pada roda warna warna asas, lukis separuh bulatan dengan pusat di persimpangan sempadan sektor dengan kontur luar roda warna. Isi separuh bulatan ini dengan warna sekunder, letakkannya di atas "ibu bapa": lampu merah kadmium di atas sempadan antara merah dan kuning, ungu dioksazin di atas sempadan antara merah dan biru. Tambahkan kuning pada FC hijau dan isikan separuh bulatan hijau di atas sempadan antara kuning dan biru.
Warna primer, apabila dicampur dengan warna sekunder bersebelahan, menghasilkan warna tertier. Tambah satu segi tiga pada setiap sisi separuh bulatan, menjadikan jumlah enam. Warnakan setiap segi tiga berdasarkan label.
Warna primer, sekunder dan tertier. Ilustrasi daripada buku
Bahagian 2. Lukisan
6. Mulakan dengan abstraksi
Abstraksi ialah cara yang menarik dan mudah untuk bersedia untuk mengerjakan karya yang realistik. Adalah penting untuk memilih 3-4 warna yang anda suka untuk merasakan hubungan emosi dengan lukisan itu. Lukiskan garisan bersudut atau bulat berterusan di atas seluruh permukaan helaian dengan pensel ringkas. Ia mungkin bersilang beberapa kali.
Cat bentuk dalam lukisan dengan warna dan warna, konsistensi cat dan berus yang anda suka. Dengarkan suara dalaman anda. Tugas utama adalah untuk melakukannya dengan cara yang anda suka, melupakan segala-galanya.
Ilustrasi daripada buku
7. Corak calitan
Pemula sering tidak pasti cara menggunakan pukulan. Anak panah dalam rajah menunjukkan arah yang akan membantu untuk mencapai kedalaman yang baik dalam ruang yang digambarkan menggunakan contoh cawan.
Calitan gambarajah dan keputusan. Ilustrasi daripada buku
8. Cara menggunakan pembayang mata
Bayang-bayang memainkan peranan penting dalam mencipta imej tiga dimensi: pertama sekali, anda perlu belajar melihat dan menulisnya. Terdapat empat jenis bayang-bayang:
- Bayang-bayang sendiri terletak pada objek. Ini adalah kawasan rona gelap yang berbeza dengan bahagian bercahaya dalam bentuk yang digambarkan. Mereka biasanya mempunyai tepi tajam di pinggir luar dan peralihan lancar di pinggir kawasan berwarna terang subjek. Mereka memainkan peranan utama dalam mencipta volum.
- Kawasan halftone- sempit, dengan kontur lembut, terletak di sempadan antara bayang-bayangnya sendiri dan kawasan objek yang diterangi. Bayang-bayang ini ialah ton pertengahan antara ton gelap dan terang subjek yang kontras.
- Bayang-bayang jatuh- siluet objek, "jatuh" atau dilemparkan olehnya ke mana-mana permukaan selain dirinya. Mereka memberi gambaran bahawa objek itu berada di permukaan tertentu.
- T Eni di tempat perhubungan- kawasan paling gelap dari bayang-bayang yang jatuh, terletak di sebelah objek. Mereka bertanggungjawab untuk "kestabilan" dan jisim objek. Bayang-bayang ini juga dipanggil aksen - kawasan paling gelap di antara ton gelap. Loghat ialah pasangan gelap bagi sorotan, kawasan paling terang antara sorotan.
Untuk melukis bayang, sapukan cat hitam atau cat dengan warna yang lebih gelap daripada warna asas. Dan pada langkah kedua, tutup kawasan gelap ini dengan warna utama. Warna hitam halftone sepatutnya terserlah di bawah lapisan cat baharu, menghasilkan bayang berwarna. Jika anda ingin menjadikan bayang lebih gelap, sapukan lebih banyak warna hitam dari tepi bayang yang jelas dan campurkan dengan warna dalam nada tengah.
Bayang menggunakan contoh silinder. Ilustrasi daripada buku
9. Cara menggunakan sorotan
Untuk mencipta sorotan yang realistik, gunakan berus kering dengan cat putih untuk melukis kawasan paling terang pada subjek seberapa banyak yang perlu untuk mencapai kecerahan yang mencukupi. Di tengah-tengah serlahan, letakkan sedikit cat tebal untuk kecerahan tambahan.
Dua contoh tindanan serlahan. Ilustrasi daripada buku
10. Lukiskan gambar dalam imaginasi anda
Semasa melakukan aktiviti harian anda, cat gambar dalam imaginasi anda. Cari kesesuaian secara mental antara permukaan dan tekstur yang anda lihat di sekeliling anda dan cara anda bekerja dengan berus dan menyapu cat.
Bagaimana untuk mula memahami seni
Jawapan paling menarik daripada artis, ahli sejarah seni, pakar budaya dan pengkritik filem, yang mana anda harus mula mengisi kekosongan dalam pendidikan anda dalam bidang seni.
11 soalan
1. Apakah yang perlu saya baca untuk mula memahami seni? 2. Apakah yang perlu saya baca untuk mula memahami seni kontemporari dengan lebih baik? 3. Apakah yang perlu anda baca untuk lebih memahami sejarah pawagam dan belajar menganalisis dan memahami filem? 4. Apakah buku yang wujud mengenai teori kritikan - muzik, pawagam, sastera? 5. Apakah buku tentang penyusunan dalam bahasa Rusia atau Inggeris yang patut dibaca, selain Misiano, Obrist, Paul O'Neill dan Terry Smith? 6. Apakah yang anda cadangkan untuk membaca tentang teater moden? 7. Apakah senarai buku yang wajib dibaca tentang teater? 8. Apa yang perlu dibaca dan dilihat mengenai topik seni Baroque? 9. Negara manakah yang menjadi pembekal utama gaya dan trend baharu dalam seni abad kedua puluh? 10. Bolehkah seni tidak mempunyai mesej? 11. Bolehkah seorang artis, yang tidak mempunyai idea tentang seni kontemporari, menjadi seorang genius yang diiktiraf?
Saya akan mengesyorkan bermula dengan Sejarah Seni Gombrich Buku ini pertama kali diterbitkan pada tahun 1950, dan ia tidak boleh dikatakan bahawa ini baru-baru ini. Namun ia terus diterbitkan semula bukan sahaja di negara sendiri, tetapi juga di luar negara, hanya meningkatkan kualiti ilustrasi. Ia bercakap tentang semua tempoh dan gaya dalam bahasa yang sangat mudah dan mudah diakses. Seperti yang ditulis oleh penulis sendiri dalam kata pengantar: "Buku ini ditujukan kepada semua orang yang ingin mendapatkan garis panduan awal dalam bidang seni yang menggoda, tetapi seorang pemula akan dapat berkenalan di sini dengan rancangan umum ini kawasan tanpa keliru dalam banyak butiran, iaitu, untuk memahami sendiri susunan dan korelasi tempoh, gaya, nama, yang mengisi buku yang lebih besar dan kompleks, dan dengan itu memperoleh bagasi yang diperlukan untuk membaca kesusasteraan yang lebih khusus."
Antara kesusasteraan pengenalan kepada seni ialah buku oleh Horst Waldemar Janson dan Anthony F. Janson "Asas Sejarah Seni," yang didedikasikan untuk sejarah lukisan, arca, seni bina, fotografi - dalam satu perkataan, "dari bison ke Barbizon ,” atau lebih tepat lagi, sehingga akhir abad ke-20.
Jika anda menggali lebih dalam, saya mengesyorkan buku teks dan buku rujukan untuk semua ahli sejarah seni permulaan oleh Boris Vipper, "Pengenalan kepada Kajian Sejarah Seni." Tidak seperti dua buku sebelumnya, masalah teknikal genre dan spesifik asas teknikal setiap genre seni halus dibincangkan di sini dengan terperinci.
Mari kita mulakan dengan Sejarah Seni Ernst Gombrich. Buku itu menerangkan pada halaman lima mengapa Picasso melukis bukan sahaja ayam naturalistik, tetapi juga ayam jantan kubis.
Terdapat sebuah buku yang menakjubkan tentang modenisme dan seni avant-garde oleh V.S. Turchin "Melalui labirin avant-garde."
Mengenai postmodernisme patut dimulakan dengan Jean Baudrillard. Secara umum, agak banyak yang telah ditulis tentang (kebanyakannya) seni Amerika selepas perang. Biasanya satu lawatan ke MoMA di New York sudah cukup untuk seni kontemporari tiba-tiba menjadi lebih dekat dan lebih mudah difahami.
Ngomong-ngomong, pada Bookmate mereka mengumpulkan keseluruhan rak buku jawapan kepada soalan ini:
Pawagam boleh dianalisis sebagai ahli falsafah dan saintis budaya (yang sangat berguna dan betul), atau sebagai cinephile dan peminat filem dan orang tertentu - dan yang kedua lebih dekat dengan saya.
Buku asas yang tidak akan menyakiti sesiapa - “What is Cinema” oleh Andre Bazin dan “Cinema” oleh Gilles Deleuze, buku oleh Robert McKee dan Christine Vogler tentang penulisan skrip, dan siri buku yang sangat baik oleh New Literary Review, yang mengandungi asas penyelidikan oleh Anton Dolin tentang terjemahan Lars von Trier dan Gordon Gray.
Satu lagi siri yang bagus ialah temu bual dengan pengarah siri Art House yang diterbitkan oleh ABC-Classics. Banyak buku sudah lapuk dari segi tarikh tayangan filem, tetapi tidak pada intinya. Terdapat banyak butiran dan butiran tentang proses penggambaran itu sendiri, sedikit sensasi, tipu daya dan penyiasatan, dan dari buku-buku ini, pertama sekali, jelas bahawa pawagam adalah pekerjaan yang kompleks dan meletihkan, di mana anda sering perlu menjadi kawalan aneh, dan tidak terbang dalam mimpi anda atau dalam realiti. Ia amat berbesar hati untuk membuka majalah Rusia SEANS, yang menghasilkan isu tematik yang sangat baik. Buku hebat lain tentang pawagam dalam bahasa Rusia yang saya pegang di tangan saya ialah "Watching Cinema" Leklesio, sebuah buku asas tentang New Hollywood oleh Peter Biskind, yang diterjemahkan (ini ialah "Easy Riders and Raging Bulls") dan memoir tiga jilid. daripada Sergei Solovyov, dari mana ia menjadi Sangat jelas tentang bagaimana filem dibuat di USSR, bagaimana proses penggambaran disusun dan pawagam itu menjadi kehidupan apabila pelakon bertukar menjadi isteri, dan rakan sekerja menjadi kawan bersumpah. Esei Barthes dan Sontag tentang fotografi sering bergema dengan apa yang saya fikirkan tentang filem, walaupun ia ditulis mengenai media lain.
Perpustakaan saya tentang pawagam telah lama berkembang dengan buku-buku yang perlu mahal untuk dibeli dan diimport dari luar negara. Malangnya, beberapa buku mengenai pengarah dan pawagam secara umum telah diterjemahkan di Rusia, malah lebih sedikit karya mengenai kajian filem telah diterjemahkan, jadi pengetahuan dalam bahasa Inggeris, Perancis, Jerman, Sepanyol dan Itali boleh sangat membantu jika anda ingin membaca buku tentang pengarah kegemaran anda yang tidak pernah menjadi tumpuan di seluruh dunia.
Saya membeli semua buku penting oleh pengkritik filem Pauline Kael dan Roger Ebert untuk memahami cara pengarang paling arus perdana Amerika menganalisis filem dan pengarah.
Buku Filem pertama saya dalam dua bahagian adalah kajian yang sangat baik tentang cara membuat filem pertama anda daripada mulut pengarah terbaik (kebanyakannya Amerika).
Buku oleh Hoberman dan Thompson, kajian kanonik A Cinema of Loneliness, A Shock Value, serta siri monograf mengenai Pengarah Potongan Pengarah (Columbia University Press) adalah bacaan yang sangat memberi inspirasi untuk memahami dari mana asal pawagam dan dari mana ia. sedang pergi.
Buku hebat Sidney Lumet Making Movies bercakap tentang bagaimana keseluruhan proses penggambaran berfungsi - dari awal hingga akhir, cara membunuh filem dan memperbaiki filem, perkara yang perlu dilakukan dengan pelakon, bunyi dan cahaya, dan bagaimana tidak menolak kerja jika ia menjanjikan apa-apa pengalaman atau pertumbuhan pada mulanya.
Saya sangat mencintai Amerika, jadi nasihat saya agak berat sebelah. Dan ya, hampir setiap pengarah hebat mempunyai buku yang menarik tentang kerja dan kreativiti. Kegemaran saya, sangat dikumpul dan dibuat dengan menarik ialah Scorsese on Scorsese, kerana di dunia hampir tidak ada peminat filem yang berpengalaman dan pengarah moden yang hebat yang berkongsi kaedah dan citarasanya. Buku ini hanyalah kebahagiaan.
Secara amnya, perpustakaan peminat filem terdiri daripada kira-kira 500 buku yang bagus, setiap satunya saya ingin buka dan tinggalkan di rak. Tetapi anda boleh mulakan dengan senarai kecil ini.
4/11 Buku apa yang wujud mengenai teori kritikan - muzik, pawagam, sastera?
5/11 Apakah buku tentang penyusunan dalam bahasa Rusia atau Inggeris yang patut dibaca, selain Misiano, Obrist, Paul O'Neill dan Terry Smith?
Pada pendapat subjektif saya, buku mengenai penyusunan selalunya tidak berguna. Penyeliaan tidak boleh diajar. Bagi seseorang yang membuat keputusan untuk menjadi kurator, pada asasnya penting untuk mengetahui sejarah pameran, untuk mengemudi amalan diskursif moden, untuk mengetahui sejarah seni dan sejarah kurasi itu sendiri. Apabila kurator ini atau itu bercakap tentang kaedahnya secara terperinci, ini sama sekali tidak membawa kepada pemahaman tentang matlamat dan objektifnya sendiri oleh pembacanya. Sudah tentu, kurator mempunyai banyak buku yang sangat baik, tetapi mereka bukan tentang penyusunan. Nampaknya saya penting untuk "menjaga hidung anda ke angin" untuk membaca majalah berkala tentang pameran. Ini ialah Afterall, Springerin, The Exhibitionist, Mousse Magazine, E-Fluх Journal, Manifesta Journal, On Curating, dan beberapa yang lain. Ini akan membantu untuk memahami apa yang berlaku sekarang dalam amalan pameran. Secara umum, baca tentang pameran, cari kurator yang anda percayai dan baca teksnya. Saya mempunyai banyak daripada mereka, sebagai contoh, saya membaca kebanyakan teks dan artikel Maria Lind, Juan Gaitan, WHW, dan saya tidak pernah jemu mengikuti mereka.
6/11 Apakah yang anda cadangkan untuk membaca tentang teater moden?
Sangat mudah untuk menjawab soalan ini hari ini: dalam tempoh dua tahun yang lalu, dua monograf utama mengenai teater moden telah diterjemahkan ke dalam bahasa Rusia dan diterbitkan dengan indah, tanpanya seorang penyelidik atau pakar dalam bidang ini tidak dapat melakukannya. Ini, pertama, "Teater Pascadramatik" oleh sarjana teater Jerman Hans-Thies Lehmann. Kedua, terdapat "The Aesthetics of Performativity" oleh penyelidik Jerman Erika Fischer-Lichte. Kedua-dua pengarang meneroka sempadan (kemungkinan) teater sebagai bahasa yang unik pada zaman kita dan membantu menyegarkan dan memperbaharui optik penonton, melangkaui stereotaip persepsi yang telah ditetapkan terhadap persembahan teater. Jika anda tidak takut idea anda tentang teater akan berubah dan menjadi lebih kompleks, jika anda sudah bersedia untuk pengalaman teater yang baharu dan selalunya melampau, mulakan dengan membaca Lehmann dan Fischer-Lichte.
Bagi mereka yang berminat untuk berfalsafah tentang teater moden dan asal-usulnya, saya juga mengesyorkan buku Keti Chukhrov yang cerah dan provokatif "Menjadi dan Mempersembahkan: Projek Teater dalam Kritikan Falsafah Seni."
Dan juga membaca pengkritik teater yang baik - pada atau pada. Mereka tahu bagaimana untuk menjejaki perkara yang paling penting dan relevan. Dan huraikan dan nilaikannya secara kualitatif.
7/11 Apakah senarai buku yang mesti dibaca tentang teater?
Bagi mereka yang ingin menghubungkan kehidupan mereka dengan teater, adalah penting untuk membaca buku berikut: Mikhail Tumanishvili "Pengarah Meninggalkan Teater", Peter Brook "Ruang Kosong", Roland Barthes "Bekerja di Teater", menguasai 4 -volume Efros, buku oleh Alexei Bartoshevich dan, sudah tentu, Stanislavsky.
Terdapat beratus-ratus dan beribu-ribu buku tentang Baroque, tetapi di antara mereka terdapat satu yang anda perlukan untuk mula membiasakan diri dengan gaya ini. Ini ialah buku "Renaissance and Baroque" oleh Heinrich Wölfflin. Ia pertama kali diterbitkan di Rusia pada tahun 1913. Wölfflin dengan mudah dan elegan menyimpulkan formula Baroque, menunjukkan bagaimana gaya komprehensif ini muncul dan berdasarkan prinsip ia. Dia dengan teliti menganalisis butiran terkecil seni bina Baroque Rom dan dengan mahir mendedahkan asas falsafah gaya itu. Selepas Wölfflin, anda tidak akan tersiksa lagi dengan soalan: "Namun, apakah kaitan mutiara berbentuk tidak teratur dengannya?"
Oleh itu, orang Sepanyol Gris dan Picasso mempunyai hubungan yang sangat jauh dengan seni Sepanyol, orang Romania Tristan Tzara - dengan seni Romania, Yahudi Belarusia Marc Chagall - dengan seni Belarus, dll. Seluruh separuh pertama abad ke-20, yang berlalu di bawah tanda peperangan dan pergolakan, dengan Perancis di Jerman kedua, Austria, Itali, dan pada tahap yang lebih rendah Britain, wujud bersama dalam peranan.
Pada separuh kedua abad ini, Amerika Syarikat menjadi pemimpin yang tidak dipertikaikan, walaupun ini tidak bermakna kekalahan dan kemerosotan berlaku di Eropah. London ialah pembuat citarasa dalam dunia galeri pada suku terakhir abad ke-20: Artis Inggeris adalah antara yang paling mahal di lelongan. Kerana kos sara hidup yang rendah, Berlin sangat menarik untuk artis, walaupun tinggal di sana tidak bermakna menjadi orang Jerman.
Secara umumnya, konsep kebangsaan dalam seni telah luntur dan layu lebih awal berbanding kawasan lain. Tiada tradisi kebangsaan - yang ada hanyalah artis.
10/11 Bolehkah seni tidak mempunyai mesej?
Seni boleh melakukan apa sahaja. Walau bagaimanapun, ia tidak berhutang apa-apa. Akal sehat, tertumpu pada kelangsungan hidup dalam persekitaran tertentu, sering mendorong kita untuk memudahkan dalam semua bidang kehidupan. Seni adalah alat yang diperlukan untuk komplikasi, tanpanya seseorang itu merosot. Dalam pengertian ini, ia sentiasa membawa beberapa jenis mesej, tetapi penyahkodannya bergantung pada kebolehan penerima. Malah seni yang paling tidak objektif masuk ke dalam dialog dengan kami, dan bukan salahnya jika kita menjangkakan segala-galanya akan jelas kepada kita. Jika ada usaha yang diperlukan untuk memahami, kami tidak lagi berpuas hati. Tetapi jika kita hanya dipaksa untuk menguasai beberapa kemahiran, maka seni menyebabkan kerengsaan tertentu kepada orang biasa, yang terbiasa dengan menghina menolak segala sesuatu yang, pada pendapatnya, tidak berguna. Tidak seperti sains yang kompleks dan berbahaya, seni tidak berdaya, jadi ia sentiasa disasarkan oleh pelbagai penjaga moral, tradisi dan kesucian lain. Mereka tidak faham bahawa ini sudah menjadi bukti jelas bahawa mesej itu telah sampai kepada penerima.
Dalam penerbitan ini, kami akan mempertimbangkan aliran seni seperti Realisme, Impresionisme, Fauvisme, Art Nouveau, Ekspresionisme, Kubisme, Futurisme, Abstraksionisme, Dadaisme, Suprematisme, Lukisan Metafizik, Surrealisme, Lukisan Aktif, Seni Pop dan Minimalisme.
Tetapi pertama kolaj :)
Klik pada gambar untuk besarkan
Sekarang mari kita lihat secara ringkas bidang seni ini.
Realisme - (lat. bahan, sebenar) – arah dalam seni yang bertujuan untuk benar-benar menghasilkan semula realiti dalam ciri tipikalnya.
Impresionisme- arah dalam seni sepertiga terakhir abad ke-19 - awal abad ke-20, yang wakilnya berusaha untuk secara semulajadi dan saksama menangkap dunia sebenar dalam mobiliti dan kebolehubahannya, untuk menyampaikan kesan sekejap mereka.
Fauvisme- arah dalam lukisan Perancis pada akhir abad ke-19 - awal abad ke-20, dicirikan oleh warna-warna terang dan penyederhanaan bentuk.
moden- pergerakan artistik dalam seni, paling popular pada separuh kedua abad ke-19 - awal abad ke-20. Ciri tersendirinya ialah penolakan garis lurus dan sudut yang memihak kepada garisan "semulajadi" yang lebih semula jadi.
Ekspresionisme- pergerakan dalam seni Eropah yang berkembang sekitar awal 1905-1920, dicirikan oleh kecenderungan untuk menyatakan ciri-ciri emosi imej (biasanya seseorang atau sekumpulan orang) atau keadaan emosi artis itu sendiri.
Kubisme- pergerakan avant-garde dalam seni halus, terutamanya dalam lukisan, yang berasal pada awal abad ke-20 dan dicirikan oleh penggunaan bentuk konvensional yang digeometrikkan secara tegas, keinginan untuk "memecahkan" objek sebenar kepada primitif stereometrik.
Futurisme- nama umum untuk pergerakan artistik avant-garde pada tahun 1910-an dan awal 1920-an, terutamanya di Itali dan Rusia. Prinsip seni utama adalah kelajuan, pergerakan, tenaga, yang cuba disampaikan oleh beberapa futuris menggunakan teknik yang agak mudah. Lukisan mereka dicirikan oleh komposisi bertenaga, di mana angka-angka itu dipecah menjadi serpihan dan bersilang oleh sudut tajam, di mana bentuk berkelip, zigzag, lingkaran, kon serong mendominasi, di mana pergerakan disampaikan dengan menindih fasa berturut-turut pada satu imej - apa yang dipanggil prinsip serentak.
Abstraksiisme- arah seni bukan kiasan yang meninggalkan gambaran bentuk yang hampir dengan realiti dalam lukisan dan arca. Salah satu matlamat seni abstrak adalah untuk mencapai "pengharmonian", penciptaan kombinasi warna dan bentuk geometri tertentu untuk membangkitkan pelbagai persatuan dalam penonton.
Dadaisme, atau Dada- gerakan moden dalam kesusasteraan, seni halus, teater dan pawagam. Dalam seni visual, bentuk kreativiti Dadais yang paling biasa ialah kolaj - teknik teknikal untuk mencipta karya daripada kepingan pelbagai bahan: kertas, kain, dll., disusun mengikut cara tertentu dan dilekatkan pada tapak rata (kanvas). , kadbod, kertas).
Suprematisme- pergerakan dalam seni avant-garde yang diasaskan pada separuh pertama tahun 1910-an. K. S. Malevich. Sebagai sejenis seni abstrak, Suprematisme dinyatakan dalam gabungan satah pelbagai warna bagi bentuk geometri yang paling mudah (dalam bentuk geometri garis lurus, segi empat sama, bulatan dan segi empat tepat). Gabungan rajah geometri berbilang warna dan bersaiz berbeza membentuk gubahan suprematis asimetri seimbang yang diserap dengan pergerakan dalaman.
Lukisan metafizik- arahan dalam lukisan Itali pada awal abad ke-20. Dalam lukisan metafizik, metafora dan mimpi menjadi asas untuk pemikiran melangkaui logik biasa, dan kontras antara objek yang digambarkan dengan tepat secara realistik dan suasana aneh di mana ia diletakkan meningkatkan kesan nyata.
surealisme- pergerakan dalam seni yang dibentuk pada awal 1920-an di Perancis. Dicirikan oleh penggunaan kiasan dan gabungan bentuk paradoks.
Lukisan aktif- tachisme ( sejenis seni abstrak: mengaplikasi cat mengikut gerak hati) - pergerakan dalam seni abstrak Eropah Barat pada tahun 1950-an-60-an, yang menjadi paling meluas di Amerika Syarikat. Ia adalah lukisan dengan bintik-bintik yang tidak mencipta imej realiti, tetapi menyatakan aktiviti tidak sedarkan diri artis. Pukulan, garisan dan bintik-bintik dalam tachisme digunakan pada kanvas dengan pergerakan pantas tangan tanpa pelan yang telah difikirkan terlebih dahulu.
Seni pop(Bahasa Inggeris) seni pop, singkatan untuk seni popular, etimologi juga dikaitkan dengan bahasa Inggeris. ror- pukulan mendadak, tepuk tangan) - pergerakan dalam seni halus tahun 1950-an-1960-an, yang timbul sebagai reaksi terhadap ekspresionisme abstrak, menggunakan imej produk pengguna.
Imej yang dipinjam daripada budaya popular diletakkan dalam konteks yang berbeza:
- perubahan skala dan bahan;
- teknik atau kaedah teknikal didedahkan;
- gangguan maklumat dikesan, dsb.
Minimalisme- pergerakan artistik yang muncul di New York pada tahun 1960-an. Seni minimalis biasanya termasuk bentuk geometri, pengulangan, permukaan neutral, bahan industri, dan teknik pengeluaran.
The Village melancarkan lajur baharu tentang pendidikan kendiri. Setiap minggu kami akan memilih satu topik menarik yang boleh anda fahami sendiri - dengan bantuan buku, kursus dan kuliah, dalam pemilihan pakar yang dijemput membantu editor. Isu baharu ini didedikasikan kepada isu yang tidak lama: kami memberitahu anda cara untuk mendalami atau akhirnya membentuk pengetahuan tentang apa yang berlaku dalam seni dunia pada abad ke-20 dan apa yang berlaku sekarang.
Andrey Kovalev,
pengkritik seni,
Profesor Madya, Fakulti Sastera, Universiti Negeri Moscow
Pertama, kita mesti faham bahawa bahasa Rusia ternyata tidak mencukupi untuk menetapkan seni kontemporari sebagai konsep. Dalam bahasa Inggeris terdapat perkataan moden dan kontemporari. Moden ialah modenisme klasik dalam variasi berbeza, yang bermula dengan Paul Cezanne dan berakhir dengan Jackson Pollock. Kemudian kontemporari bermula. Bahasa Rusia ternyata pekak untuk ini; semuanya biasanya dipanggil "seni kontemporari". Dalam bahasa Rusia, adalah lebih baik untuk mempertimbangkan seni sepertiga terakhir abad ke-20 moden.
Masalah utama ialah orang tidak mahu memahami seni moden dan pasti mereka sudah tahu segala-galanya. Apabila soalan ditanya apa yang Kazimir Malevich ingin katakan dengan "Black Square", diandaikan bahawa orang itu sudah mengetahui jawapan kepada soalan ini dan ia adalah negatif semata-mata. Kita mesti menghilangkan rasa tidak percaya bahawa kencing Duchamp atau apa-apa lagi adalah seni.
Ketidakpastian biasanya timbul dari separuh kedua abad ke-20. Untuk mengetahuinya, lebih baik membeli panduan kepada MoMA, Guggenheim dan Pompidou dan baca sahaja: semuanya dijelaskan di sana. Terdapat buku yang bagus oleh Sam Phillips, yang paling mudah. Terdapat banyak buku tentang seni kontemporari, tetapi tidak ada satu pun buku yang akan menjawab soalan anda dalam bahasa yang mudah. Untuk memahami trend, anda perlu mengikuti pencalonan belia Hadiah dan Inovasi Kandinsky, tonton Venice Biennale, Documenta, Manifesto, sudah tentu. Di samping itu, dianggap bergaya di sini untuk pergi ke pameran seni kontemporari, tetapi walaupun bagi saya, seorang profesional, sukar untuk difahami di pameran besar.
Berdasarkan rakaman video, kuliah yang baik mengenai seni di Moscow diberikan oleh Ira Kulik di Garage dan pekerja Galeri Tretyakov di Krymsky Val. Sukar untuk mengetahui pameran mana yang hendak dilawati di bandar: segala-galanya di sini telah runtuh. Sebelum ini, ini adalah karya kritikan seni. Apa yang ditulis oleh Valentin Dyakonov dalam Kommersant ialah anda perlu melakukannya 100%. Tetapi kini hampir semua penerbitan yang menerbitkan kritikan seni telah ditutup. Anda boleh mengetahui sesuatu dalam The Art Newspaper, dalam Art Guide. Dan anda lihat, saya boleh mengatakan bahawa anda pasti perlu pergi ke galeri XL, tetapi terdapat pameran yang buruk di sana juga. Terdapat banyak pameran menarik di MMOMA, tetapi terdapat juga banyak yang buruk. The Garage mempunyai kira-kira 80% pameran yang bagus - malangnya, ini sebenarnya satu-satunya tempat sedemikian.
Seni moden jauh lebih mudah daripada apa yang tergantung di Louvre. Saya telah diajar selama enam tahun, dan walaupun begitu saya tidak memahami sepenuhnya semua yang dilukis di sana. Adakah anda pasti anda memahami "Awas Malam" Rembrandt? Tiga perempat daripada pengkritik seni tidak melihat plot utama dalam "Night Watch" - cahaya yang mengalir entah dari mana. Hanya profesional super yang melihatnya. Dan siapa yang melihat salji dalam "Boyaryna Morozova"? Salji berkilauan dan sedikit bernoda di bawahnya. Rahsianya adalah untuk menonton lebih banyak. Untuk memahami salji ini, anda perlu melihat seratus ribu lukisan, dan untuk memahami maksud kasut lama, anda hanya perlu membaca teks yang disertakan.
Apa yang perlu dibaca
Sam Phillips. “...Isms. Bagaimana untuk memahami seni kontemporari"
Panduan sejagat kepada kumpulan, sekolah dan gaya abad ke-20 untuk mereka yang terperangkap dalam pengetahuan mereka di peringkat pelajaran sekolah Institut Seni Moscow: Pengkritik seni Inggeris dan pengarang majalah Frieze Sam Phillips memecahkan pergerakan, intipati mereka dan wakil utama - semuanya tanpa air dan analitik yang tidak perlu.
Ekaterina Andreeva. “Pascamodenisme. Seni separuh kedua ke-20 - permulaan abad ke-21"
Buku oleh salah seorang pengkritik seni terkemuka Rusia dan penyelidik di Muzium Negara Rusia tentang evolusi seni halus dari tahun 40-an hingga ke hari ini. Banyak perhatian diberikan kepada karya artis Rusia.
Roseley Goldberg. “Seni persembahan. Dari futurisme hingga ke hari ini"
Roseley Goldberg ialah pengasas Performa dwitahunan dan penyelidik prestasi yang telah datang ke Moscow dengan pamerannya lebih daripada sekali. Performance Art ialah edisi diperluaskan buku 1979 Goldberg yang, seperti yang dicadangkan oleh tajuknya, menyelam jauh ke dalam subjek: tiga ratus halaman pada kedua-dua persembahan Victory over the Sun dan Cabaret Voltaire, serta persembahan Matthew Barney.
Boris Groys. "Kazimir Malevich"
Dalam siri "Nama", rumah penerbitan Ad Marginem menerbitkan potret dan esei oleh pakar cemerlang tentang wakil seni Rusia. Sebagai contoh, di sini ahli falsafah Boris Groys memahami fenomena Kazimir Malevich dan percubaannya untuk mencipta seni abadi.
Donald Thompson. “Bagaimana hendak menjual jerung dengan harga 12 juta dolar. Kebenaran skandal tentang seni kontemporari dan rumah lelong"
Buku berguna tentang ekonomi seni kontemporari, terikat dengan kisah hiu harimau lima meter, dijual oleh Damien Hirst kepada koleksi peribadi, pertama untuk 50 ribu paun, dan beberapa tahun kemudian untuk 12 juta dolar. Menggunakan cerita ini dan cerita lain sebagai contoh, Thompson menunjukkan bagaimana pasaran seni membentuk nasib karya yang kadangkala paling luar biasa.
Apa yang perlu ditonton
Natalia Smolyanskaya - kira-kira jangka masa seni kontemporari
Seorang pengkritik seni dan profesor bersekutu di Sekolah Antropologi Rusia Universiti Negeri Rusia untuk Kemanusiaan berbincang di Postnauka tentang artis yang biasanya dipanggil kontemporari dan bagaimana objek menjadi karya seni. Terdapat juga satu lagi kuliah pendek oleh Smolyanskaya, yang didedikasikan untuk asal usul dan konsep avant-garde.
Akademi Khan: "Seabad Konflik Global"
dan "1970 - sekarang"
Organisasi pendidikan bukan untung Khan Academy mungkin mempunyai salah satu panduan paling terperinci kepada sejarah seni secara umum dan proses abad ke-20 khususnya. Di sini anda boleh menemui kuliah bukan sahaja tentang artis ikonik, tetapi juga tentang arkitek atau jurugambar, serta ujian dan panduan teks pada tempoh tertentu.
Universiti Edinburgh: "Warhol"
Dalam keadaan rehat, tetapi kursus popular oleh Profesor Glyn Davies mengenai salah seorang artis paling popular pada abad ke-20, dibahagikan kepada lima tema yang mempengaruhi falsafah Andy Warhol: selebriti, seks, wang, kematian dan masa.
Luke Syson pada mencintai seni 'tidak berguna'
Seorang kurator di Muzium Seni Metropolitan New York dan pakar dalam ceramah seni Renaissance di TED tentang bagaimana dia terpaksa menukar pekerjaan dan menerima seni yang sebelum ini membingungkan.
Universiti Tsinghua: "Seni Barat dan Cina: sarjana dan klasik"
Dalam erti kata yang baik, kursus konservatif di Universiti Beijing, membezakan sejarah seni Barat dan Timur. Ia bermula pada 6 April dengan Homer dan barang antik lain, dan pada kesudahannya ia akan sampai ke Marcel Duchamp dan Andy Warhol yang sama.
Paola Antonelli - tentang cara permainan video muncul dalam koleksi MoMA
Syarahan yang sangat penting oleh kurator Muzium Seni Moden New York tentang sebab MoMa membuat pameran tentang Pac-Man dan mengapa pengkritik seni memusuhi Tetris di sebelah lukisan Picasso.
"Universarium": Seni Rusia kontemporari
Bermula pada musim panas dan paling berguna untuk pelajar sekolah menengah semasa cuti, satu siri kuliah oleh ahli sejarah seni dan penyelidik MMSI Polina Zotova dan ahli psikologi Alesya Miyuzova, di mana, menggunakan contoh karya paling terkenal pada abad ke-20, mereka berjanji untuk mendedahkan perkaitan seni dengan sejarah negara kita.
Tempat belajar
"Persamaan tidak simetri"
Kursus oleh pengkritik seni dan ahli budaya Irina Kulik, dalam rangka kerja yang dia setiap tahun menghimpunkan artis terkenal abad ke-20. Dalam musim siri ini, pendengar akan menghadapi pertembungan antara Egon Schiele dan Hans Bellmer, Andy Goldsworthy dan Banksy, serta Vito Acconci dan Dennis Oppenheim.
di mana: Muzium Garaj
Harga: secara percuma
"Seni abad ke-19–20"
Di dewan kuliah Muzium Pushkin, di Kolymazhny Lane, menjelang April mereka baru sahaja selesai berurusan dengan Manet dan Cézanne dan beralih ke abad ke-20: dalam tempoh lima minggu akan datang, kakitangan penyelidik muzium akan bercakap secara berturut-turut tentang Hans Arp, Jackson Pollock, Roy Lichtestein dan seni dekad kebelakangan ini.
DI MANA: dewan kuliah Muzium Seni Halus Negeri Pushkin
BILA: Rabu Februari-April
HARGA: langganan kursus telah habis dijual, kuliah sekali - 100 rubel
"Seni moden
dan muzik"
Salah satu daripada banyak kitaran menarik di Muzium Seni Moden Moscow: artis, pengasas Pusat Theremin dan guru di Sekolah Rodchenko Andrei Smirnov bercakap tentang trend muzik abad ke-20. Kursus ini bermula minggu ini dengan syarahan tentang muzik futuris, muzik eksperimen dari 50-an hingga 70-an, dan konsep rawak John Cage.
DI MANA: MMSI di Tverskoy Boulevard
HARGA: 200-400 rubel
Kampung ingin mengucapkan terima kasih kepada Alexander Zhuravlev dan Alina Glazun atas bantuan mereka dalam menyediakan bahan tersebut.